百度

这期歌手水平触底反弹，还是相当不错的。其实比赛每次进行到这个地步，我曾经说的“场外因素”，也开始深入而微妙的影响比赛成绩了。对选手的了解渐渐深入，我们开始理解歌手这样选歌、这样唱歌的动机，也把这样的理解融入了评分的因素。这个时候，有的歌手就可以任性的去唱一些属于自己内心的、未必适合或讨巧的歌曲了；而一些为了成绩挣扎的歌手，随着和这个舞台、这些观众的磨合深入，也会放一些观众喜闻乐见的大招。这并非高下之分，只会让节目更加美不胜收。
但是只有一点，加花有风险，使用需谨慎。此处又批评了张杰和迪玛希。（为什么是又）

这周回家，陪爸妈，写得稍微有点偷懒哈哈哈

李健《十点半的地铁》

前奏和间奏用的应该是著名的Gymnopédies I。这个曲子原是钢琴曲，也有弦乐的版本，非常的旖旎温柔，又有一种慵懒和真诚在里头，配合下班后疲惫坐在地铁车厢里的状态，也是十分搭配的。
如果没有原唱，李健的版本或许还过得去，但是一对比，就觉得健哥实在不适合这样的歌曲。
健哥的声音里自有一种优雅和悲悯，即便面对自己的经历与情感，他都习惯性的退开半步去反思一下，提炼一下。从而总是有一种“旁观感”，而非现实的切肤感，失去了此类民谣歌曲那种最直觉的触动。不管是“这是我唯一不失眠的地方悲伤的难过的在这里我没有力气去想”还是“等到了站下了车余下的路还有好长”都和李健的形象有些冲突；在演唱上，也并非他最舒适的音区，高音显得有些哑，而低音又有点多。因此，总体来说，这并不是他最好的作品。当然，李健自己也认识到这一点，但他依然坚持唱了这首歌，原因正是他内心对别人，对与曾经的自己一样的年轻人们的深沉关怀。对于这种任性，确实也是无可指摘的。

这次健哥在歌词又有两处小小的改动，一处是“温柔的风轻轻的轻轻的轻轻的吹“改成
了“温柔的风，终于能轻轻的静静的吹“，这一改，把原先只是铺陈环境的描写，产生了一种有时间跨度的对比和想象，仿佛白天地铁那躁热的、轰鸣的风还有吹在脸上的感觉。

另一处是：

对面的阿姨
醒了又睡她没什么可依偎
身边的妹妹
不知道为谁流着眼泪

这又是一处有了时间延展性的妙笔，充满了想象空间。对面的阿姨，醒了又睡，点出经过了不知多少站；没有什么可以依偎，一方面写了这位中年人的疲惫无依，又暗中和靠着自己睡的那位胖女孩形成了对比，仿佛渺小疲惫的自己，也在这地铁的缘分中，为一个人提供了一个肩膀的栖息地，内心也因此产生了那么一丝丝的温暖和欣慰。
身边的妹妹（应该不是靠着的那一位），刚刚还在和朋友聊着八卦，也许现在朋友已经下站，也陷入了没有依偎的境地，内心的脆弱也随之涌出。她的眼泪为谁流呢？是和她的朋友有关，还是和她谈论的人有关？这种小小的同情，并非出自优越感，而是出自自己也有许多不堪为他人道的事情，而产生的同理心。
在这两处改动里，我欣然的接受了李健的这个版本。

张碧晨《胡桃夹子》

听得我下巴都掉下来了。
开场曲是柴可夫斯基《胡桃夹子》中著名的《Dance of the Sugar Plum Fairy》，速度进行得相当快，相比原曲的梦幻浪漫，平添了一份紧张，为这首歌精致复杂的结构铺上了第一层底色。
许多人都说，这首歌的层次眼花缭乱，让人摸不清路数。实际上这首歌也是ababc的传统结构，并没有多花俏。但是由于ab段没有明显的主副歌之分，只是与普通流行歌曲在b段作为副歌、在更高的音区用鲜明有记忆度的旋律抒发情绪不同，这首《胡桃夹子》，不走寻常路地使用了一个甚至更舒缓柔美的旋律，只是节奏上突然慢了下来，产生了与众不同的听感变化。在ab段中切换，速度反复变化中，仿佛进入一重重院落，而优美典雅的触感却一以贯之。这是这首歌的过人之处。
作为包办这首歌词曲创作的张碧晨，一方面体现了极好的审美、创意和思想，另一方面，也确实显出几分稚嫩。
比如A段的和弦及旋律线条和宫崎骏动画片《虞美人盛开的夏天》著名的主题歌《别了夏天》几乎如出一辙，要靠编曲营造出不同的色彩把这种熟悉感硬生生淡化掉。
再如这首歌的歌词。虽然从中看出了和原芭蕾舞集似是而非的关联和线索，也折射出了张碧晨通过胡桃夹子看进自己内心的凝视和独白，但总体而言还是显得过于朦胧晦涩，甚至让这首歌在某种程度上抽离了歌词，成为一首纯音乐作品。这倒与林志炫的音乐理念有不谋而合之处。但这是否是张碧晨的初衷，就不得而知了。

相对原曲，歌手现场版本的《胡桃夹子》进一步加强了戏剧冲突感，篇章段落错落有致，又刻意增加了强弱的对比、轻捷的跳跃，让这首歌的古典气质和潜在的阴郁色调完全爆发了出来。
具体来说，在录音版本中，张碧晨更从容的使用她的共鸣，发音更圆润、更悠长，统一性做得更好。而现场版本里，为了把自己最美的音色突出到最大，张碧晨明显的加大了气声的比例，因而许多音也显得更为短促，别有一种摔碎琉璃般的凄美。

C段连续的E5都承接着假声的对比，唱的最美的那句也是最高潮处的“梦里的魔鬼哼着～”，E5强音只是惊鸿一瞥地滑过，又极美的落在半音以下的气音上，就好像舞剧中那疯狂的梦幻盛宴后，终要成为泡影，回到现实中的那种虚无和无助。

接着，张碧晨蹲了下来，凄美的唱出那二十个“哒”，声声掩抑，如泣如诉，如同卖火柴的小女孩般楚楚可怜，引人恻隐。于是全首歌都稳稳收在了袅袅不息的孤寂感中。

这首歌张碧晨做得最成功的地方，就是非常好的把握了“欲往复旋”这四个字，从细节上，她吸取了前两场飙高音音色并不好听掌控力也不足的教训，把强音高音用的十分俭省，并且总是会在发力之后轻款收住缰绳，回到她最美的音色；从宏观上，这首歌的情绪也远离了煽情狗血的窠臼，不断地温柔跌宕，一紧张，一松弛，一激昂，一婉约，仿佛打了一套化骨绵掌，貌似并没有用多大力气，只在虚实快慢的优雅间，就已把人的心揉碎。在乐队的配合上，也非常的克制，注意到了前几场容易压制人声的现象，像一朵云彩一样衬托在张碧晨的声音之下，而在她要着力表现音色是，更常常留出足够的空白。在歌手演播厅这样一个偏好高音、偏好清亮声线的声学条件下，小嗓的张碧晨终于找到了自己的空间。

纵观张碧晨登上我是歌手舞台三场以来的表现，非常明显的一场比一场优秀。其实，对于一个陌生的舞台，要发挥个人最好的水平，总是需要磨合的。心态上适应这种紧张和焦灼，选歌上要在大众和内心之间平衡、更要适合自己，编曲上要针对这个舞台的空间、配置、音响、观众进行调整，调音上更需要一场一场微调来表现最好的音色。因此歌手们在这个舞台时间越长，一则和观众会产生熟悉和感情，二则会真正在这个舞台厮磨得如鱼得水、愈加娴熟。这都需要时间。对于新人歌手来说，这个舞台确实还是要给更多的机会，这会给他们更多的成长。

迪玛希《All By Myself》

迪玛希继续他原key挑战女歌手超难歌的奇幻旅程。
其实，即便是那中亚口味让人出戏的稀烂英文，小哥这首All By Myself还是让我喜欢的，至少喜欢它前面的大半部分。
这首歌，当然是在众多欧美选秀中被唱烂了，以至于F5试金石、肺活量、气息稳定度等技术指标几乎已经成为了这首歌的全部，而不再有人去对这首歌的情感和形式有所开拓。迪玛希这个版本在编曲上，也几乎照搬了原曲，本来除了秀音域之外没有多少可言，但他出彩的部分恰恰就在于他那也许是无心插柳的副歌段。

开口的独特幽怨声线是他的优势。整个第一遍主歌副歌都唱的十分节制深情，有一种天鹅绒的触感。过度到第二遍副歌，迪玛希歌剧感十足的胸声高音响了起来，这在这首歌里注入了一丝未曾听过的新鲜感。以女性来说，AllBy Myself唱出了女性的成熟和觉醒，在孤独和寂寥中不断挣扎、走向强大的历程；而迪玛希这个版本给出了一个相当男性化的诠释，唱出了以往版本所没有的独属于男性的豪迈和壮阔。所有的忧愁伤感都只是小小的酸痛，男人理应独当一面、一意孤行、走出自己的路的。这是一种Myway式的自我勉励和礼赞。唱到D5高音处，又稳稳收了回来，如与命运的搏斗间歇舔舐伤口的瞬间。

为什么我认为这是一种无心插柳呢？无非是因为以整曲的编排来说，迪玛希并没有着力的往这个意象去走，好像只是进行到了这里，顺便为之，展示一下不同的音色力度而已。如果加大弦乐的比例，把这首芭拉歌往古典的、厚重的方向去引，更近一步展开第二遍副歌时呈现的意境，不但能展现另一面的迪玛希，更能给予这首歌彻底的新生。然而，接下来，迪马系又降了8度唱出“Allby myself”时，我已经能够猜到接下来会发生什么了。这又是他的老技俩，为后面的爆发营造戏剧性的对比。

果然，歌曲遵照着原曲，按部就班的往着超高音发展，头声表演开始。上探到A5，稳定拉在D5、F5的长音，仿佛日出云海，万丈光芒。对于这首感情本来就澎湃充盈、全力讴歌、高潮处如烟花绽开的大歌来说，迪玛希惊人的天赋非常相配，并不像《秋意浓》《天亮了》那样有突兀违和的感觉。如果在这个时候收一下，把音乐推向结束，便是一个非常完整优秀的演出了。

但是，喜欢加花的迪马希并不甘心就这样结束。伴奏停止，冗长的转音逐渐拉高，滑到了六组的咽音。这赤果果的炫技虽然也了得，但与音乐的进行、内容的表达全然无关，仿佛是一只鸟突然叽叽喳喳的飞进了录制现场干扰了演唱，又好像在开怀大笑的派对中，突然听到了一冷到毛骨悚然的冷笑话，讲笑话的人自得其乐，听得人却无比尴尬，之前的欢乐情绪顿时烟消云散。

迪玛希错过了制造一个真正不同、值得被记住的《All By Myself》的版本的机会，同时，又成功的把一个本来尚不错的live降格了。

扣分，下一位。

林忆莲《多得他》

林忆莲这首歌，跟在迪玛希后面一点不怵，一下子又把场子镇住了。这样一首《多得他》让人内心有个声音感叹：“这才是流行歌”。
评论这首歌，不可跳过的，就是两大珠玉，原唱《Superwoman》，及王菲的94年的现场粤语版本。
90年还是叫王靖雯的王菲，唱歌时还没有修炼出那独特的气质和歌唱体系，表现伤感时还烟火气地带着哭腔。演唱这首歌的时候即便是录音版，小嗓的她都显得有些力不从心。但仅仅四年之后，王菲洗髓伐骨，在演唱会上再唱这首歌时，已经把这首歌化成了自己的一个经典。她好就好在，不去追随原唱珠玉，而在自己的体系里找到了录音版里所没有的自由。

从技术层面来讲，这首歌基本是和英文原版没有太多关系，基本照搬王菲处理方式的。出于这个舞台对于篇章段落的痴迷，一开始还是从情歌切入，并且为了控制长度给后面的爆发留出空间，在歌词上砍掉了大段。“那点烈火”处同乐队一起不露痕迹的升调，展现了极好的音准和娴熟的控制，I’m only human出三连跳爬升弱混A5转头声的F5#又惊了四座（比菲版高2key）。E5长音完成得质量也相当高，仅从声音的角度，似乎可以稍稍探出头去，望一望KarynWhite及国外翻唱的高度了，但也只能望一望，仰止而已。那些自由飞翔的高音，不仅仅是机能和状态上的差距，更是在rnb以及soul中浸润出来的文化基因。

岁月不饶人，五十岁的Sandy在拿捏这首歌时已不如年轻时轻松自在，唱完时如释重负的长出一口气也显露出了疲态，但其实看一个人真正的功力，就在如何拿捏自己能力边缘的演唱上，如何在应付难度的同时，保持整体的感觉和情绪的发展。这一点上林忆莲做得相当成功，甚至堪称示范。她整首歌的演唱也非常的均衡，把技巧的使用完全不露声色的包裹在情绪之中，颇有一气呵成的感觉，如同制作过的录音室版本一般的整体把控。这让我们感觉到的，不是一次竞演，而是可以收藏入手机、播放于街头巷尾的、真正属于我们的音乐。

然而触动我的并不是这些。而是当她最后用气息呵出I’m only human时，其中的意蕴，已经远远超越了原曲对自己局限和渴望的谅解，而终有了allmen are mortal的沧桑感叹。时光流逝，我们惊觉，我们拿来与这个现场比较的，是二三十年前的影像资料，穿越了半生的时光，其中多少曲折难诉，多少韶光辜负，多得几个他可以离别和遥顾。唯此夜，Sandy锐气不再，却更圆熟；人皆有老，莫负今朝。这也许是她最后一次在公开场合演唱这样的歌曲，都付长叹，且怀珍惜。

林志炫《feeling good》

许多人说，这首feeling good已经有太多成功甚至牛逼的版本，林志炫的版本一不独特二不出众，甚至还不如李健那首小清新的改编有记忆点。
我认为他们都说得很对，如果我以后要听feeling good，我也绝不会找林志炫的这一版。但有一种好叫做“脱胎换骨”、“印象深刻”，另有一种好叫做“就是这个味”。就好像你千里迢迢回到故乡那家心心念念的小吃店，你并不期待它端出一盆创新菜，你要的就是那个回忆里、情怀里特定的味道。
至少林志炫在这一场里，就在这种味道当中。当我看见他举重若轻的在节奏中晃动，我感觉爵士才是林志炫的家。
这种享受，这种自在，我们不由自主的跟着林志炫Feeling good起来。事实上大仙唱这首歌，账面上最高也就唱到A5#，这种畅快淋漓的感觉却一点不少，这首歌同样没有太多可以说的地方（或者说完整得让人不想拆开细说），听着享受即可。

张杰《我要你》

看直播时，我刚想说，张杰唱得不错，天涯歌女就直接逼我静音了。上一场天亮了，这一场天涯歌女，一个歌唱节目为什么要做的那么惊悚呢？胡维纳背后站着呢你非要自己唱？

关于《我要你》和百乐门风是不是搭，旁人已有讨论，我只是不想再听一遍这首歌了。你高兴就好。

跳过，下一位。

狮子合唱团《爱不爱我》

当我听到这个选曲的时候，我觉得这简直就是一个可以完全预测的表演。这首歌实在太偏流行了，而且也已经被唱得太多。按照狮子的一贯套路，我预计，老萧会以情歌方式切入，扯着嗓子拉一个长音进入副歌互动阶段，然后再安插一段力Q的solo，升key晚会大合唱，老萧就负责不断挤压声带憋出各种高音。
事实证明，我还是低估了老萧。
果然是情歌化开场，互动环节也如预料出现，solo这次由邹强担纲也没差，老萧拉长音更是照章办事，就连最后飙完高音双手摊开嘴成O型抬头向天再借五百年的表情动作都非常标准规范，但这首《爱不爱我》却真是被老萧改得不俗了。
本来《爱不爱我》就是慢板，老萧的第一段改得更慢了，他擅长的情歌演唱也在这段中淋漓尽致的展现，甚至到第一遍副歌时，也没有急于切入节奏，只留最简单的钢琴弦乐勾勒，独白式的柔软唱腔，把内心的纠葛娓娓道来，四个爱不爱我通过节奏和语气的变化拿捏得各不相同，体现了老萧唱芭拉的深厚造诣。
然后口琴过渡，鼓声进入，进入正常进行的段落。老萧聪明的只在这样的节奏里唱完一遍主副歌，便又带来了不一样的听觉感受，本该落在1上的尾音，变成了2，并悠长的拖了整整四个小节十六拍，展现气息的同时又营造了后面会发生什么的悬念。

于是在这样丰富变化的铺陈后，c段到来，让人还惊讶怎么这么快就已经唱到c段了，老萧果然现在已经开窍，不再乱扯乱吼，只靠A4#的高度就完成了感情的爆发，但充分调动了共鸣，远比他硬飙五组的高音要有冲击力得多（上季黄致列唱他拿手的苦情歌曲时，感情爆发处的高音，一般也就是A4左右，这是一般禀赋的男歌手最有力量的一个位置）

然后如期进入互动环节，但老萧又是只通过两个大停顿空出的互动避免了庸俗化，然后用两个摇曳多姿的“爱不爱我”，再次拉出长音，升key把音乐烘托进了最后一个华彩的段落。此处升key，也和前面Sandy一样，和乐队同步完成，紧接着又一个胸声扎实的长音，整套动作技术含量非常高。最后飙到D5#也是顺理成章，但真正厉害的还是收回来“不再难过”的“过”字，随稳定的气息徐徐送出，听的人拍案叫好。

通过段落的变化，唱法节奏和旋律细节的变化，老萧把原来机械重复的“爱不爱我”这一句，唱出了不同的感觉，极大程度的消除了听觉的疲劳感，重新把已经因为熟悉而被埋藏起来的感情重现挖掘了出来。长音控老萧也在这首歌里通过各种姿势的拉长音，为这首歌烙上了自己鲜明的印记。
由此可见，老萧也随着比赛的进行，渐渐找到了自己，找到了狮子正确打开的方式。

彭佳慧《爱上一个不回家的人》

佳慧老了，状态已不如四年前。唱得稳定性有很大问题，编曲上也总觉得让她很不舒服，要么就太低束缚，要么就直接跳到高音区秀铁肺，情感线被撕碎了。
她干嘛要回来趟这个浑水啊？还不是其他人都不愿意来么。我心中最后一个逆战位置，是给尚雯婕或谭维维的。
算了，她也无奈，不多评吧。

为什么我写的梁博那段，度娘说我有“色情低俗信息”。。。

梁博《灵魂歌手》

其实最初听到录音版的《灵魂歌手》的时候，那开场刚健有力的副歌，就直接打进了我的心里。然而，一曲听完，除了这几句先声夺人的副歌以外，再也不能让人记住别的东西。主歌旋律性的缺失，或许是这首歌最大的硬伤。

其实如果从摇滚作品来说，这首歌并不差，主歌部分如演唱会开场前暂时的宁静，间或掺杂着对惨淡生活和物质世界的审视，和灯光亮起舞台上灵魂歌手的形象产生了鲜明的对比。而编曲上，相比几年下来已经做得有些油的梁翘柏团队公式化的编配，更是让人眼前一亮，和声、鼓点、钢琴的交织运用都非常的现代明朗，Riff用得简洁有力。一遍遍的主歌副歌交替，其实也做了精心的设计，可以明显感觉到热度的升腾，听感并不单调。那种情绪一直在非常稳定的向上发展——那是一种不动声色的渐强，并没有刻意的煽动和高音，仿佛一场漫长的跑步，其实一直保持着这样的节奏和步伐，但渐渐你就会喘息，你就会出汗，你就会被自己散发的热力蒸透。相比狮子首鼠两端艰难实验的流行摇滚，《灵魂歌手》是一首更成熟、更纯粹、甚至优秀太多的摇滚乐。

但这对于这个节目大部分听众来说，不符合听音习惯。观众们需要被引导进入到正确的听歌状态里去，正如这个舞台许多“成功”的表演所做的那样。而对于梁博的摇滚逻辑来说，所有人都应该一开始就进入、并一直保持在这样的状态中，不仅去兴奋于他的唱，更去兴奋于他的演奏和停顿。这是对观众过高的要求。主歌段短促的唱句，平淡的旋律性，以及唱句与唱句之间过长的间隔，仿佛一个人喃喃自语中的思索和粗重的呼吸——你必须和梁博一起跑起来，才能感觉到那蒸腾的热。但对于迫切想要听爽达到爆点的观众来说，是一种兴奋度的分散，甚至会感到一丝无聊。从现场的反馈来说，确实也是如此，许多人听见他一开声就被征服，而最终名列第六踢馆失败，或许也正是这个问题引发的惨案。

从梁博的现场演唱来说，其实质量也是很高的，一开嗓那种速度感，吐字来的快收得更快，本身就有一种强烈的鼓点感，在和声的衬托下，仿佛是李小龙的双截棍，结结实实的打人。这真是要嗓音、体力、精神的完美融合才能出来的效果。内投第一也是足可以看出其演唱的含金量。但从观众的角度，而非音乐人的角度，作为一个歌手，他是否在这首并不高亢也不婉转的歌里面展现了更好的唱功呢？和迪玛希比，和林志炫比，和老萧比，和林忆莲比，那些歌手的好处太明显，太容易理解。音高、声亮、有戏剧性，都是能直接形容出来的特征，也都是再度思考之后，把梁博排在后面的理由。这当然是这样的电视节目的原罪。

梁博自己也唱

电视里的节目
让人看得想哭
我的那些朋友
争先恐后
争着去做奴隶
急着抛弃自己
你本来是英雄
直到变得
更加恐惧

或许，他来这个节目，从一开始便知道它会有最好的音乐，却不能代表最好的音乐。它只是一个熙熙攘攘的真人秀、名利场，而无法评断一个人音乐的优劣。所以他不会因为观众和名次而改变，不会对名次得失多虑，他只是来表达自己的音乐。无欲则刚，这样的梁博，没有恐惧，也不会抛弃自己。

心中前三：张碧晨 林忆莲 林志炫

@wawaboo认为
樓主說得更成熟更純粹的搖滾是甚麼?搖滾派別明明那麼多，被你們說得好像自溺曲高和寡的音樂才是真搖滾也是佩服了。照你們這種想法，我真懷疑這種沒有多少人願意聽喜歡聽的搖滾能撐多久，一個音樂流派如果受眾越來越少，只懂得孤芳自賞，漸漸消逝也只是時間問題。

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这就是只知其一，不知其二了。摇滚当然是创新和融合的音乐，因此从广义来说，现代大部分流行歌曲，都是摇滚或有摇滚元素，坚持狭隘的门户之见不足道之。
但另一方面，个性和反叛的精神永远是摇滚真正的魂，它又时刻提醒一个歌手，要保持流行与时代之外的自省，去突破和坚守。

因此，为什么萧敬腾已经形成了那么多元且主流的音乐风格和地位，还要以乐队的面目从新人做起，去坚持做一些不那么主流的“更纯粹”、“更想做”的摇滚乐呢，这不就是他摇滚的血么？然而，在歌手的舞台上，迫于成绩或节目组的压力，狮子在屡次冲突碰壁后越来越情歌化，回到老萧擅长的领域，并且在选曲上也越来越偏向选择一些大众情歌，毫无专辑中那种思想的表达。这样的狮子，还不如苏打绿摇滚呢。当然，狮子在歌手舞台期间，我也曾批评过老萧，说自己喜欢的东西，未必是适合的东西，至少我没有从狮子那些即便偏摇滚的表演中，看出老萧有一个摇滚主唱的特质，他也确实更适合偏软的pop rock风格。但作为不需要负责任的听众，大众永远只是希望听自己喜欢听的，艺术家却只有做自己内心想做的才能成就自己。就算不适合，就算大众接受度不高，还要做，还要坚持，还要表达自己的思索，这才是摇滚精神，不是吗？九场下来，老萧已经渐渐偏离初衷了不是吗？

再说梁博，他哪里是小众了，他一没有玩黑金死金，二没做地下音乐，分明就是选秀出身，梦想着做“击碎万颗心”的歌手，虽然性格不善互动，从态度到风格都没有离开大众太远。他的摇滚也根本不是固步自封的原教旨，或者已经越走越酸的本土特色摇滚，而是纵观全场，最现代、最国际视野的，许多元素都可以在当代世界最好的摇滚表演中找到线索。然而他明明有旋律性更强更能讨好观众的歌曲，却坚持的选择了更表达态度的灵魂歌手作为开场曲这本身就是他摇滚的注脚。对于这样一个形成了鲜明的自我风格，更坚持和坚定的摇滚者，还在探索学步左右摇摆的狮子，是不是显得不纯粹不成熟呢？

音乐自然没有高低之分，老萧虽然越来越不摇滚，做出来的音乐本身还是令人赞叹的，并不在梁博之下。但从摇滚精神，从老萧以狮子合唱团的重新出发的角度来说，除非你只是喜欢“萧敬腾”在这个舞台上的表演，否则，只要支持狮子，不管喜欢不喜欢梁博的音乐，至少都应该对梁博予以敬重。他就是那个从一开始就未曾妥协的老萧。他的出现，一定会给萧团长一些启迪。

最后，艺术更不能因为大众小众分高低，汝之蜜糖他之毒药，你不喜欢的东西，总有人喜欢。当然有一些比较偏激的艺术形式大部分人都不接受也不适合公众传播，但也有其价值。许多纯粹的古典音乐，现在越来越小众，也绝不会死亡，也无碍于其伟大不是吗。