我之前多季写乐评，总是会跳过总决赛。因为总决赛由于现场录音的缘故，往往充满着车祸和意外，而争夺歌王的比赛，往往又掺杂了太多私心杂念和功利企图，导致总决赛的演唱往往乏善可陈，沦为全季最无趣的一场比赛。
但是这一季一切都反过来了。常规赛不但选曲多数沉闷、缺少惊喜，而且观众的投票结果也渐渐让人感到他们已经被如此的摸透。越到后程，即便偶有几首佳作，比起隔壁充满蓬勃生命力和冒险精神的《这就是原创》来，依然让我提不起兴致。
然而我想说，这一次的总决赛，是七届以来最震撼我、最让我感动的一届。人性的光辉和音乐的魅力终于在这最后一场绽放得如此夺目。不仅仅是青峰对听众和音乐的深情告白，不仅仅是连刘欢都唱得眼镜蒙上雾气、上气不接下气的缅怀爱徒，还有一句话，如此温暖又如此有力的打在我心里，让我瞬间对这一季歌手的种种乖谬都释然了。那是刘欢在VCR里的那句：
这个歌我喜欢，全世界就只有我一个人听，那我也喜欢它。
前阶段啃完了三岛由纪夫的《丰饶之海》，我的做日文老师的朋友问我，是否感受到了作者的恶意：他精心设计了一个黑洞，把所有都吞没都消灭，一丝一毫都不留下，让读者经过大梦般的四次转世后，听到聪子的答案时如本多一样万念俱灰，仿佛听到作者充满恶意的笑声。
但是我的感觉却完全不同。我觉得人生种种如梦幻泡影并不悲哀，幻想和现实的界限在时光和记忆的玩弄下变得不再清晰也不悲哀，甚至——自己珍视的一切美好都原来未必存在都不是悲哀：美好本身，既是一种抽象的存在，它并不需要的物理实在东西来依托。就算从未真正有过，也是实实在在的美好和纯粹，是如此的盛大而生动。就像李白幻梦天姥，恍然惊醒时感叹说，世间行乐亦如此，古来万事东流水。但他的结论却并不是虚无，而是安能摧眉折腰事权贵，使我不得开心颜！人生这么短，美好的事情就算如东流水，也要尽力去抓住，这才是活着的意义。
悲哀的是，本多恰恰是在垂暮之年，才听到这个答案，当此时，他的幻梦，已经无人可以分享，没有人有着和他相同的感触，他再讲述、再解释，都不会有人真正理解。这才是真正的天人五衰。这些强烈的美的记忆，已经如同庙宇倾圮的神灵，香火断绝、神位朽坏，行将再无栖身之所。
艺术岂不也是如此？在很久以前，没有录音和回放的时代，所有伟大的现场表演都是绝响，岂不都是每个观众听众共同经历的一场抓不住的美梦。但也正因为如此，每个人反而都理直气壮的拥有着自己的一个私人的梦，不管那是一场让百万人一起感动和疯狂的狂欢，还是一个不知名的小酒馆里偶然听到的低吟浅唱，最后都变成只有自己才懂，自己才珍惜的宝藏。
自从进入了影音的时代，我们似乎已经僭夺了定格时间的大权，似乎我们不再害怕失去，害怕梦逝，害怕我们珍爱的音容弹指间灰飞烟灭。可是我们还未曾志得意满的躺在这样的成就上多久，就已经走进了信息爆炸的时代。在这个时代，影音实在太多了，多到可以大规模生产，大规模贬值，变成可以随意浪费和抛弃的餐巾纸。曾经我感叹这个时代，已经是碎片化的时代“主流”审美已经越来越身影模糊，似乎，每个人都有自己的受众，都有自己的小圈子，彼此不悖不扰。但是反过来，“主流”的力量也变得无以伦比的强大。在互联网信息的一潮又一潮中，所有的公众号都使用着最新的流行词汇，追逐着最新的热点，影响着人们的思维。满屏的Skr后面是满屏的锦鲤，满屏的“亲人两行泪”后面是满屏的黑洞。在审美和价值的领域，更是如此，宏大的主流文化，有着将每个碎片夷平磨灭的力量。
但是真正好的音乐，如果只有小圈子里的少数人感动和欣赏，而在圈子之外的芸芸大众，都充耳不闻，都麻木不仁，那这音乐也岂不是一种脆弱的幻梦，也是做着这个梦的人们的悲哀？就如同我们或许会因为自己深爱的那个歌者不进入主流视角而窃喜自己个性的独特和眼光的高明，但我们是否也会隐隐的有本多的那种惶恐？
歌手终究是一个大众的舞台。它或许不会彻底的肤浅和庸俗，但让一群拥有投票权的听众在只听一遍的情况下就给出全场孰优孰劣的个人选择，必然是快餐和武断的，没有太多思考和咀嚼，生理的第一反应、现场的集体情绪，最主流的审美偏好决定了一切。因此，当这个节目的套路被逐渐摸透，那种“容易有好名次”的歌曲，便越来越容易地生产了出来。随着这个“市场”的成熟，冒险和探索已经渐渐显得不合时宜。这也是我自己，渐渐对《歌手》失去热情的原因之一。但总会有歌手站出来，去任性，去自我，去把私人的梦怯怯的晾晒出来，去在大家面前唱一首并不求大家立即喜欢的歌曲。把这个梦的种子，悄悄种下。
但这真的需要勇气。并不仅仅是一时名次的下降，更可怕的是，观众集体的不理解和抵触，会把，就像上一季我写到的，这其实是一个大审查的时代。无孔不入的媒体，无微不至的主流，无处不在的来自所有人的审查。
《这就是原创》有一个设定其实非常的自我矛盾。它使用榜单的形式，让前十名的热门歌曲和后面更丰富更有音乐性的作品pk，起到打捞遗珠、展现原创的目的。然而，我立刻发现的荒谬就是：最受欢迎的热门作品，本来就不是（音乐性上）最好的作品啊，它们之所以受欢迎，就是因为他们符合了主流，也就是大多数的人的审美的交集。再评选一次，我想前十还会是那样的歌曲，更好的歌曲注定要藏在水下深处，被忽视被遗忘。
这也是为什么龚琳娜在垫底之后如此无助的哭泣。当然观众没有资格裁决她的音乐，但是观众可以代表着这无意识的“大多数“，践踏她的音乐，轻慢她的音乐，就如同三岛所做的，把她这个“梦”打回到只有她夫妇两人的狭窄世界里。
强大的主流，蛮横的主流，残忍的主流。
这也是为什么，当我听到刘欢说出这一句的时候，眼眶里几乎立即噙满了泪水。
就算只有我一人，依然热爱。
可是，一个人越坚持自己的热爱，总是会越孤独。刘欢所说的趋同性，社交媒体的洗脑是一方面，更多的，还是现代人越来越缺乏的认同感和接纳感吧。我想，这样的孤独，那些坚守着自我的音乐人们，一定深刻着许多倍，这也是许多人宁愿守着自己小圈子的温暖不肯出来的原因。
可是你看，从来都不能算多主流的青峰，得到了多少的应和。你看，一轮游、突围失败、恬然离场的逃跑计划，让多少人重新认识了他们，记住了他们，感动于他们。
有些梦太美好，让人不忍心不去做。
于是，总决赛，我只想结合前面的突围赛和冲刺帮唱赛，聊聊三个人。

龚琳娜


龚琳娜在歌手的舞台上受到的待遇，并不是不公平，而是顽固和荒谬。
抛开初登场的大杀器《小河淌水》和玩票性质的《一千个伤心的理由》，她的《庭院深深》、《青藏高原》和《武魂》得到的认可度，与其艺术价值简直成反比。
如龚琳娜那首《庭院深深》，充满着今人已经很难体会的悱恻闺怨，以及在快餐“古风”、“中国风”面前显得有点迂的那份幽深含蓄，在现场让人大跌眼镜的沦落垫底的名次。于是龚琳娜终于屈服式的在突围赛演唱了《青藏高原》。
但是这首《青藏高原》，真的不适合她。龚琳娜说要唱“有中国音乐魂的歌”。这一点让我觉得是蹊跷的，因为我不知道她这里的中国指的是什么？
我认为，龚琳娜虽然演唱了许多民族的东西，但她的音乐视角，基本还是汉民族的。她从青藏高原里找到的点，居然是“老旦”。
但是，李娜声音中的生命力和自由野性，冲淡了戏曲唱腔的刻板特征，也因此，李娜的青藏高原最不可替代的地方，并不仅仅在于最后哪个升G5的震撼长音加B5的惊艳上翻，而在于她整首歌里面，都充满着来自山河和大地的力量。这也是为什么其他人唱《青藏高原》，给人的感觉总是全曲只是为了飙最后一个高音（还往往降Key），空洞无物。
龚老师这一版其实也未能免俗，虽然依然功力深厚，却恰在她说说的“灵魂”上丢失了这一大块。龚老师长期的戏曲和中国古典音乐的熏陶，让她即便唱民族歌曲的时候，依然充满了一种汉族士大夫雅乐的气质。这种气质可以用来演唱欧阳修的《蝶恋花》，李白的《静夜思》，屈原的《山鬼》，项羽的《垓下曲》。但放在青藏高原，她就显得过于精致，过于圆润，过于优雅，远不是那种在雪域的风霜和岁月的摔打里出来的嗓音，她原教旨的使用李娜的老旦唱腔，（还有后面副歌一闪而过的黑头怒音）反而就显得十分生硬和明显，彻底变成一种形式上的东西。而也因为如此，她的主歌部分也和所有那些平凡的版本一样，显得相对沉闷，让人颇想快进，直到最后最显硬实力不降Key的B5。在这个高度上，龚琳娜的版本是我听过的最游刃有余闲庭信步的。
其实西藏给我最大的触动，不是它的高拔壮阔，不是它严峻中的绝美，而是万物的相连。没有城市楼房和太多局促的生活场景的纠缠，我们得以放眼看看天地。晴空下，远山上那朦胧的黑云和雨雾，便是脚下湍急的溪流；高处严峻的万年积雪，便是眼前如璧玉的湖泊。那草甸上散漫的牛羊，是牧人的陪伴，也是身上所穿，口中所饮，灯上所燃，神坛所祭。
也因此，我在藏地听到的歌谣，总是震撼的——那并不是汉族人心目中的高亢激越，而恰恰是松弛，仿佛是在艰辛的跋涉和挣扎之余，身体疲惫时心灵袅袅不绝的叹息和向往，它与风相应和，与水相应和，与万物生灵相应和。看看Anu吧，虽然他们的音乐常常过度驳杂混乱、不知所谓，但只要唱到母语的藏文，便有那种从自然带过来的能量，轻松却不轻浮，粗砺却不粗糙。这是龚琳娜珠圆玉润的演绎中断然没有的东西。
再回到总决赛这首《武魂》。这真是一首如此震撼灵魂的作品。它不仅有音乐的趣味，感官的刺激，更有让人回味和思考的后劲。
贺铸的《六州歌头》是这么写的
少年侠气，交结五都雄。肝胆洞。毛发耸。立谈中。死生同。一诺千金重。推翘勇。矜豪纵。轻盖拥。联飞鞚。斗城东。轰饮酒垆，春色浮寒瓮。吸海垂虹。闲呼鹰嗾犬，白羽摘雕弓。狡穴俄空。乐匆匆。
似黄粱梦。辞丹凤。明月共。漾孤篷。官冗從。怀倥偬。落尘笼。簿书丛。鹖弁如云众。供粗用。忽奇功。笳鼓动。渔阳弄。思悲翁。不请长缨，系取天骄种。剑吼西风。恨登山临水，手寄七弦桐。目送归鸿。
上半阕潇洒飞扬豪气干云，下半阕笔锋突转，少年的侠气和现实的惨淡形成鲜明的对比。而武魂这首歌，最耐人寻味的地方，也恰在于反复的对比和冲突。
歌曲整体的基调并不是雄壮或者热血的，而是压抑的。三位顶级的歌者，三种不同的唱法一开始齐头并进，单调的旋律，一字一顿，在鼓点的烘托下，仿佛征战到尽头时沉重的喘息、粘滞的步履。忽然，第二段龚琳娜忽然上翻八度，而石倚洁和王佩瑜各自的声线也完全释放了出来，如焰火绽放般，分开三条鲜明的轨迹。
接着，在笙的伴奏下，贺铸的六州歌头被唱响，戏曲式的旋律，歌曲的气质为之一变，登时充满了活力，尤其看龚老师摇头晃脑的神气，那种少年英雄的得意和浪漫一下子取代了前面的沉重。
接着，管乐和电子的成分猝不及防的乱入了进来，和沛然的国乐气质融合在一起，电音、童声和笙交织出的和弦墙产生了极雄浑的烘托力，又为后面三人分别的吟唱增添了几分梦幻的色彩，颇有new age的质感。于是，垓下曲主题回归，此刻的垓下危局，忽然因为少年主题梦回般的出现，而感染了浪漫气质，龚琳娜飘飞的高音像英雄落幕前最艳丽的残阳。很快，第一遍的严峻压抑的氛围重新占据了上风，然后少年主题的斗志昂扬又翻了上来——这两个主题借着童声为线索反复交织和互换主次。小胖墩欢乐的挥拳纵跳抢尽了眼球。
我很快意识到，这不是一种简单的“少年强则国强”式的尚武精神的歌颂。
《武魂》题目的背后，却是贺铸下半阕“似黄粱梦”的幻灭，却是四面楚歌“其奈何“的绝境悲壮。孩童游戏般的拳打脚踢，天真的呼喝，与现实中战争的残酷、生命的脆弱、理想的易逝形成的对比；而时世再不利、尘笼再沉重，依然有着孩童版的侠气支撑前行，绝不绝望。
这首歌里，四种声线萦绕交织，笙与鼓与电子音轰鸣震荡，仿佛古与今的凝重对望，仿佛万千生灵带着这一点侠气和悲壮，走出了民族悠长的历史轨迹。
这样不论声乐质量、音乐编配、精神气质都堪称完美的艺术作品，不入前四，尤其是败给杨坤组，简直就是这个节目的耻辱。

千年武魂太沉重，于是我们来看看总是看起来很轻松的吴青峰。其实，就歌唱发挥而言，吴青峰在总决赛的表现是几乎垫底的。
但是，这个总决赛，在我眼中，最是光芒四射的，除了刘欢，便是吴青峰。
我和夫人一致认为，吴青峰是七季以来最好的串讲人，没有之一。
并不是在于他那些尴尬的追星梗，也不是他那磕磕绊绊的口条，实在是因为他的人格魅力。他的羞怯，他的温和，他的坦诚，他的不掩饰，以及他那些自嘲自High背后，坚守的小小自尊，和那个并不属于浮华秀场的自我。
吴青峰给人的第一感受，便是文艺。但文艺也分许多种。刘欢也文艺，他的文艺是大时代大格局，岁月沉淀下来、不与庸俗合流的高贵质感。李健也文艺，他的清澈歌声背后，常常有着成年人少有的赤子之心，因而他古典化的音乐形式背后，是那种“思无邪”的求索和喟叹。
而吴青峰，和上一场预热赛的嘉宾陈粒，这两个人代表的，却是“思有邪”的每个独特众生。
金宇澄的《繁花》里，我最印象深刻的是这段独白：
佛菩萨根本是不管的，据说每天，只是看看天堂花园的荷花。天堂的水面上，阳光明媚，水深万丈，深到地狱里，冷到极点，暗到极点，一根一根荷花根须，一直伸下去，伸到地狱，根须上，全部吊满了人，拼命往上爬，人人想上来，爬到天堂来看荷花，争先恐后，吵吵闹闹，好不容易爬了一点，看到上面一点微光，因为人多，毫不相让，分量越来越重，荷花根就断了，大家重新跌到黑暗泥泞里，鬼哭狼嚎，地狱一直就是这种情况，天堂花园里的菩萨，根本是看不见的，只是笑眯眯，发觉天堂空气好，蜜蜂飞，蜻蜓飞，一朵荷花要开了，红花莲子，白花藕。
人人都想享受天堂的美好，但最好的艺术，写的往往却是攀爬着根须的人们的心境。
他们承认自己的残缺，自己的自私，自己的弱小，自己的不合拍。但他们向着人们微笑和绽放，自豪的说，这就是完整的、真正的我。他们也愤怒世界的荒唐和不公，他人的愚妄和可悲，但他们并不因此仇恨水面上的美好，也不颓废沉溺于痛苦之中，他们相信着每个苦难的灵魂，终会寻到自己的一片荷塘，不通过互相踩踏的方式。
两人传递喇叭，虽然很可能是因为芒果就这么一个喇叭（笑），但是莫名的让我想起了纸牌屋里的下木夫妇在窗台上共享一根烟的情景，虽然气质与这一对迥异，但这总让人感觉到一种既非情欲、又非友情的彼此的温暖和互相的支撑，感觉有着一股能量，顺着这个喇叭，顺着两人的手，在彼此之间传递。
回到总决赛的两首歌来。不知道是为了贴合观众有限的审美，还是贴合青峰的气质，《怪美的》灵魂般的碎片斑驳的电子TRAP被改得摇滚兮兮，从而完全没了所谓“颠覆审美“的立意。而吴青峰显然和这首歌的气质更加不搭，他实在缺少蔡依林式的把一切吸掉（划去）的气场，又因为要配合女Key，开场和中间几段，都显得稳定度欠佳也出戏。然而，这不重要，重要的是这首歌，以及这个人。
蔡依林从二十年前那一个大众情人的面目出道，无论从哪个角度看都是一个流水线歌手，但随着岁月磨砺，她经历了自我觉醒和蜕变，现在的Jolin，不但一直在极度自律之下保持着中生代一波天后中最好的状态，而且焕发着极强的人格力量。（我不懂VCR里跟她说对手是杨坤张杰的人是出于什么目的，大概真的是想得到一个有礼貌的淋式嘲讽吧）
于是，《怪美的》这样一首表达Jolin突破刻板眼光的心境之作，变成了青峰自己想倾吐，平时又无法倾吐、无力倾吐的一击。或许，在某种意义上，他和她拥挤在同一条战壕，而她是他向外开火的终极兵器。
于是我们Get到了这个点。虽然这首歌种种的不如意，但吴青峰或许就是这样，他永远不会像蔡依林那样狠下心走到黑，他永远是带着温和的微笑，告诉你，审美，价值，人生，都是多元的，请不要自负，请不要傲慢。
开完火，仿佛卸去了一切重担，吴青峰又回到了最本真、最柔弱的那个状态。
其实第二首歌，在写作或演唱上去评价，已经是多余了。从VCR里，他就开始在向节目向观众向这三个月来一路走来的同行者们告白。在争夺歌王的一首歌里，杨坤带来了合唱，带来了朗诵；声入人心飙了一个又一个高音；而青峰，只是为自己歌唱，为懂自己的人们歌唱。说着话的青峰，还可以用玩笑和发疯来保护包裹自己，但在这首歌中，他无修饰得像一张素纸，他无防备得像一个婴儿，他清澈得如同一滴甘露，一束音乐的光照进来，折射出的便是彩虹。
他曾说，他绝不会在这个舞台唱《小情歌》，然而，《小情歌》居然是以这样的方式回归到舞台，回馈给最想听到它的听众们。这不是投其所好，而是一份感恩的礼物。我能想见，虽然经历了那么多场演唱会，见了那么多大场面，得过那么多奖，青峰面对真正的“大众”而不是“歌迷”时，依然是不自信的，依然是慌张和有一丝孤单的，就如我前言里面写的那样。这也是为什么，渐渐的，他在一路走来，邂逅了那么多理解和掌声，获得了那么多新的跟随者，有那么多人“怀抱了他的单纯”，会让他如此感动。
其实世界上并没有所谓“圈子”，只是因为交流的障碍，人们不得不和自己所知的类似的人蜗居在一个个孤岛。渺小的我们，需要的只是这样一个平台，这样几首音乐，这样几份真诚的情感，便有了通航的渡船，于是便起风了，于是至少在歌声响起的时间里，孤独的灵魂们能够找到彼此，拥抱彼此。
于是当家凯从后面走出来，这首歌充满了家一样的暖意，这就是一首团聚的歌，这是一首从写出来，就注定要拥泣唱完的歌，是在亲人的臂弯里发出幸福的哭泣的歌。
虽然在旋律和编排的艺术性上，这首歌并不特别，文学性上远超音乐性；在演唱上，青峰更是放飞自我，但是音乐到最后，终究是歌以咏志。毫无功利心的青峰，在这一首歌里，他已经超越了技术层面，诠释了什么才是音乐最美好的一面，什么才是歌者最动人的一面。
本届歌手，有了一首新的主题歌。

刘欢
我真是没有想到，刘欢在动完心脏手术、赛季的末端会有这样的爆发。
《弯弯的月亮》《璐璐》《挪威森林》《从前慢》无疑都是好歌，但是太过四平八稳，暮气沉沉，又缺少突破，仿佛和齐豫一样沉湎在了旧梦之中。
袁娅维的出现，仿佛彗星贯空，打破了这一切。
Tia如同一个活泼的女儿，用她无穷的俏皮与活泼松动了刘欢的沉稳凝重，她的性感是如此的落落大方，并不是人前的搔首弄姿，而恰似家里无拘无束的撒娇和玩笑。于是这种音乐的情绪终于把刘欢点燃，两个人在爵士的应和对答中，充满了恣意的变化和默契的合拍，两人在音乐的海湾里微醺畅泳，那一刻的刘欢，从精神上仿佛一下子年轻了二十岁。
是的，音乐是一种感性的东西，它需要激发。
于是，谭维维走来了。
与袁娅维自然释放的女性魅力不同，谭维维在舞台上不管是演唱和表演，都充满着戏剧式的爆发力，对于这样一首充满终极拷问，曲风又很极端的歌曲来说，再适合不过。
和原唱以及田小姐的翻唱版本最大的区别，在于由于刘欢和谭维维的年纪都更大，少了几分青春气息的迷茫和挣扎，而却多了人到中年的颓唐、腐坏。青春尚在的年纪，虽然想要的太多，所有的太少，但是还有着大把的时间，可供颓废抑或跋涉；而对于以及渐渐看到彼岸，熟稔与世界的规则、接受自己的局限，开始向死而生的中年人来说，“我要去哪里“和”我哪都不能去“便更鲜明的变成一种存在主义的拷问了。也就是海德格尔所说的“‘此在’从来就是它所不是的东西，而不是它所是的东西”。更妙的是，一张椅子的设计带来的戏剧感，更是让两人仿佛进入了一种互相质问、互相争吵、互相牵制、互相诱惑的状态，颇让人想起了萨特的戏剧《禁闭》，那种人与人之间的消耗与凝视，相互成为地狱，相互成就虚无。
同样的，在这首歌里，在谭维维强悍的高音带领下，欢哥又爆发了小宇宙。虽然，现在的欢哥，确实飙不动A4以上的高音，合唱时一直让维维高飞在八度以上的五组，自己则在四组低空作业。但和耿斯汉/波琳娜合唱时耿斯汉的声音如被机能强悍的波琳娜生吞活剥一般不同，欢哥的共鸣让他的声压并不落于下风，而且一直处在能量爆棚的状态。中段，还玩了一把金属黑嗓，听得出，玩过之后，他嗓子良久没有平复（笑）。
在编排上，这一首从头到尾都很噪的歌曲，通过数度动静和鼓点的变化，而最大限度的减少了聆听的疲劳感，特别是谭维维在数个段落不同唱腔变化、戏剧处理，把两人故事里种种的无奈、渴望、愤怒、癫狂、荒谬、疲惫一层层的展现开来，让人感到High，却不仅仅是High。
虽然谭维维变化无穷的演唱和排山倒海的能量是这首歌成立的骨骼，但正如同谭维维所说，《我要去哪里》的大部分设计，却是欢哥自己的设计和坚持。我想，只有遇到了谭维维这样的歌手，欢哥才能迸发出这样多的想法，才能让这么多的精彩得以实现。
所以我才会在微博上说：
这两场的刘欢，让我突然想到，他或许最大的缺点便是太正统太君子了，他和两个女嘉宾的火花耀眼得让人觉得幸福，太多激情和才华被激发了出来。他固然无可指摘的得到了他生命稳稳的幸福，却不是狄俄尼索斯喜欢的那种幸福。
可是，最后的歌王之战，依然依靠的是独唱。机能退化的，独唱的刘欢，又能给出怎样的答案呢？是《千万次的问》？还是《少年壮志不言愁》？还是《我和你》？他能唱到怎样的地步呢？在他演唱之前，我想，不论哪一种，不论他唱得多么的好，我都愿意把心中的那个歌王选票投给青峰。
但是，欢哥请来了姚贝娜。
对于姚贝娜的追忆和消费，在她香消玉殒的几年内，已经足够多了。因此虽然刘欢和姚贝娜师徒一场，但当姚贝娜的原声出现在歌手舞台的时候，我心里酸楚之外，还有那么一丝丝的反感。歌王之战选择姚贝娜帮唱，岂不是一种心机？
但听着听着就觉得不对头。能飙二十八秒长音的刘欢，居然气不够了！我听到了刘欢难以延续句末的尾音，他大口的喘息换气，追赶着音乐的节奏。
我的第一反应，是动过心脏手术的刘欢，经过前一首歌的嘶吼，体力不支了。然而下一个镜头，我立刻看到了他眼里积蓄的水汽。
大宗师刘欢，他不能像青峰那样在挚友的拥抱里尽情哭泣，就算气息再难以为继，他的演唱也始终没有崩坏。当我再回过头看他唱的每一句，忽然发现，他是在如此艰难的溯着时间的泥沼一路蹒跚：
劝君莫惜金缕衣，劝君惜取少年时，花开堪折直须折，莫待无花空折枝。
小山重叠金明灭，鬓云欲度香腮雪。旧梦依稀 往事迷离 春花秋月里
有诗待和 有歌待应 有心待相系可逆风不解 携雨伴风 摧梅折枝去
真情诺诺终于 随乱红飞花去凤凰于飞 翽翽其羽 远去无痕迹
一字一句，每一行，都是往事，都是谶语，都能引来那么多的回忆和画面，都那么恰当的变成了思念，变成了追忆，变成了怅恨。
是的，刘欢，也是过早的飞升到水面上，看到太多风和日丽，又太过洁身自好的神祇。有时，我确实会觉得他的激情过早的消退，他的精彩过早的谢幕。但他的伟大，是在于他虽离开了最能催生创作光辉的苦难和不定，却始终没有失掉歌者的初心，那颗敏感、诚实、悲悯、宽和的，艺者的心。
于是我明白了，在这最后一首歌，刘欢真的如他所说没有怀着私心。这首歌虽然做了一些编曲的变化，但从头到尾都没有任何花哨和讨好观众的地方，他只是想用这三首歌，在这个全国收视率最高的音乐节目，来祭奠芳魂，来代替曾经善睐的明眸看一看观众们的眼神，代替那鬓云侧畔丰润的双耳来听听青峰歌里“如林中回声的掌声”，带着这个已经绝响的声音，带着这个已经幻灭的愿望，在这里歌唱。
谁说皆空呢，谁说如梦呢？这一刻，刘欢真的定格了时间，姚贝娜，她存在过。我记得她！千万人记得她！记得她的微笑，记得她穿云裂帛的歌声，记得她燃烧到最后一刻的心火，记得我为她流过的泪和写过的文字。若这是云烟，这是幻梦，那我们，现场，屏幕前的千万人，都在刘欢的音乐里重温着这个梦，守护着这片云烟。
这一刻，刘欢和青峰一样，都是音乐里赤诚的孩子，都已经到了那个最好的境界。他VCR里那一番话，以及这首歌，都让我重看时泪流满面。
刘欢，大艺术家！

是的，说完了。剩下的实在是我不想多评论的。

唱了40年歌的齐豫，让人惊叹如此高龄依然可以保持这么强的稳定性和表达力。她确实唱得比原唱好听，但终其一季，除了确实可以传世的那些经典以外，就似乎没有别的想法，《雪落下的声音》和《知否知否》，实在不知是节目的安排，还是她的日常看剧爱好。

四冠王杨坤每个毛孔都散发着取悦观众的味道，把所有的歌曲都装点得如此高级的廉价（张杰的升C6很牛叉，他和杨坤比显得像天使）。或许在沉闷的常规比赛中，他多元花哨的曲风以及娱乐精神总能给人带来一点新鲜感，但他全季唯一一首我愿意保留的歌，只有《长子》。

声入人心男团，素质是过硬的，音乐却总是无聊的，即便是音乐剧选段，脱离了原来的上下文，也显得干巴巴如炫技。而作为一个主打美通和声的组合，全季最好的几个和声表演，却来自龚琳娜，来自为杨坤伴唱的天使合唱团，来自刘欢，恰和男团无关。

玻璃姐，论机能和演唱状态是当之无愧的本赛季第一。但她大概真的以为参加了一个歌唱比赛，但是这个娱乐节目的无厘头，以及语言文化的隔阂，让她始终不知道如何发力。她几次最动情和最用心的表演，成绩都不如意。她最好的表演（仅以播出效果来看），在《Hurt》。

这么快就沉了