打卡

高开、低走、豹尾、丰富。这是这一场给我的感觉。
其实一场歌手，有三首非常出色的作品，就能让人觉得精彩了。
而这一场，至少有四首歌我非常的喜爱。
正如郑洋评价的一样，这次歌手的前三首，都非常高级，非常的有深度。这个深度在于，当你抛开比赛那种五分钟下结论的快节奏和高下的比较心，去用心聆听歌者真正想告诉我们什么，每一遍，你总是会读出许多许多的内容，得到很多很多的感悟和乐趣。
到了第四首，因为张韶涵的嗓音状态，水准下降不少，而张天又奉献了一次惨烈的车祸，砸破了节目底线，苏诗丁的《她》张力十足但依然流于感官。
幸好最后华晨宇bang地打上了一个惊艳的句号。
虽有参差，但如此丰富多彩、各尽所能，是我乐于见到的样子。
所以，这一期是开赛以来让我最赏心悦目的一期，也暗示着18年歌手低开高走的势头。

儿时》 汪峰

耳帝调侃《儿时》是“中国转基因民谣”，虽然他小心翼翼的声明无贬义，我其实内心是暗爽的。
我上一期已经提到中国音乐中文学性追求高于音乐性追求的特点，固然音乐最后，总是会返璞归真，最动人的音乐，常常也是极简、极朴素的，这一点我不否认。但如果一股脑儿这样做，就不免让人觉得缺乏技术含量和诚意。
《儿时》就是此类民谣的代表，通篇四个和弦，简单到不行，主歌旋律还和罗大佑的《船歌》有几分相似。
但是，它在一众同样和弦简陋、曲调单一的民谣中脱颖而出，并被汪峰称为“完美的歌”，并不是没有道理：因为它的简单，和它所表达的内容，也就是歌曲的精神，是极其契合的。
它的歌词，不断罗列着一个又一个意象，仿佛自带着夕阳的色泽，照进每个人童年的回忆，那种回不去的单纯和幸福，是每个人都想沉湎其中的，也唯如此简单的旋律，简单的编配和演唱，才是最适合、最恰当的。
汪峰拿到歌手的舞台上，当然需要增加它的层次和丰满度。
看了那么多年的歌手，我们闭着眼睛也知道这里面的套路：可以加入钢琴，加入大编制的弦乐，加入更激动人心的鼓，再加入一两样点睛的乐器。
然而改编《儿时》这种歌曲，最难的问题，是如何增加层次的情况下，不失去原曲简单纯净的感觉。原曲，几乎就是一轨吉他，一轨和声，以及合成器的大提琴低音和几声键盘烘托，已经让人颇有落泪的感动，仿佛加一点东西就是多余了。如果做得不好，把这首惆怅回望的歌曲变成一味拔高的抒情，就落入了下乘。
汪峰第一个出场，唱这么一首波澜不惊的民谣，虽然他嚷嚷着要换歌，然而，最终他就这么不疾不徐的唱完这一曲，给我留下了深刻的印象。因为他从他自己的角度切入，演绎出了一种不同的惆怅。
汪峰版，以钢琴开场。
小号带来的不单单是纯净感和怀旧感，那独特的音色是如此的让人身心松弛，就像回家的召唤，仿佛从虚无之中构建了一间温馨的小房间，让每个精疲力尽的人躺进去，充满安全感地去回看童年的珍藏。
第一遍副歌 吉他 和声如原曲般的进来，一如原曲般的静好。但是注意这个和声旋律和它的节奏，它就像风吹过树林和田野的响声，也像孩童无忧无虑的哼唱，一直巧妙的贯穿全曲。
间奏，小号再起，弦乐和鼓点加入，递进到第二遍主副歌。可是，这个递进，依然是小心轻放的，一点力都没有多用，和声依旧烘托着汪峰蜀黍的追(Y)忆(Y)，仿佛穿着白衣，他就飘飘了起来（哎呀我又损了，打嘴）。
到此，汪峰算是圆满的完成了原曲意境的传递，但若只是如此，实在是一个比较平庸无趣的作品。它还需要变化和升华，才能带来我所期待的惊喜。
惊喜是来了，却不是一个强力爆发段，而是bridge段那让人眼花缭乱的音乐。
在弦乐和和声中，汪峰向他那失落的童年发出“高达”G4、A4的呼喊，顿时音乐第一次变得丰满厚重起来，在小号灵动翻飞的引领下，纷至沓来的和弦变化让人目不暇接，产生了天旋地转般奇幻的效果，仿佛一艘梦的小船驶入了时光的漩涡，一幅幅画面如烟花般绽开又消逝，汪峰真的在一刹那，伸手从童年摘了一缕最好的阳光，披在我们肩膀，把我们带进了他想要寻回的美好世界。
这种玩法，与演唱无关，但不得不说玩得高级！
汪峰最后的抒发无疑是炽烈的，但同样是内敛的。音高上仅仅升了1Key，收得干净利落的尾音，精致而短暂的气氛升华，一首歌落在了那欲言又止的“小小诗不敢递给”，小号回归，“她”字才怅然若失的吐出。
对于原唱来说，“她”或许只是美好的初恋。
但是汪峰一唱，感觉就变了，我可以分明的感觉到，“她”在汪峰口中，指代的是那么多有过和不曾有过的纯粹的美好。
人生的路，只有一条。不管如何计算谋划、如何孜孜努力，终究还是那么快的放弃了无数种可能，无数片美景，匆忙的走过了半途，是好是坏，颠颠簸簸，高雅也好，娱乐也罢，定睛看时，居然已是个油腻中年。似乎，有些不甘，又似乎，只能放下，继续向前。
幸福的童年是汪峰不曾有的，在回望童年的视线里，汪峰也一定看见了一路走来那些初心的磨损，那些不曾实现的诺言和理想，那些自己的无奈和不堪。但既然已经走到了这一程，只能把这些尽付与那个不曾有的童年里，莫须有的“她”了吧。
毕竟，汪峰在第一期已经报告了，他目前已找到安放内心的地方
在演唱上，汪峰无疑是比较苍白的，但这不等于表现力的苍白，加上出色的编配，我实在无法掩饰对这一版《儿时》的喜爱。

《爱的箴言》李泉


爱的箴言，翻唱的版本也是多如牛毛了。前年张信哲的版本犹在耳畔，
我当时评价说：
张信哲如果唱出了《爱的箴言》的骨，就完全没有唱出它的魂
这首歌的魂在哪里？不是“情到深处人孤独”式的哀怨，而是“我将春天付给了你”的那种甘愿和坦然，歌者虽然付出了真心和生命，却收获了悲伤和孤独，并没有在后悔呀，经过岁月的洗练后，也没有那么伤心啊，是一种分离后回望的欣然接受啊，虽然归于孤独，然而奉献过，热烈过，心甘情愿过，这甜苦相参、沧桑过后，品出来的味道才是“爱的箴言”
耳帝曾说这首歌是有性别的，男歌手唱不合适。即便是声音中性如张信哲。


现在，又一个男歌手不信邪站出来了。
他是李泉。还是深深鞠躬，在钢琴前坐定。这次没有穿垫肩。
琴键上流淌出来的是爱之梦。
爱之梦的主题旋律，以大I级和弦起手，而最后经过几个如梦似幻的七和弦和九和弦后，又稳稳的从V级和弦回归到I级，这是一个典型的歌曲完全中止，因此非常适合拿来串联，而《爱的箴言》也恰好是以I级开始，以V-I结束，这就让两首曲子简直无缝的连接，以至于当前奏轻轻款款的落在主音G上时，没等李泉开口，我都忍不住顺着这个旋律把“我将……”哼了出来。
爱的箴言，爱之一梦，纠缠在一起，到底是这梦境太美，才让人经历千山万水写出泪水酿就的箴言；抑或是这箴言太诗意，让回首的种种都看来如同隔世的一梦？
李泉在这首歌里，依然是自由的。虽然没有第一场完全即兴独奏时的放飞自我，但节奏的变化、速度的变化、音的修改，层出不穷又不露炫技的痕迹，就在不断的强弱、快慢中，听者的心灵也随之跌宕、徘徊、催眠，四分不到的歌曲，如同一场长梦。
本雅明评论卡夫卡时如是说：
“展开“具有两层意义：蓓蕾绽开为花朵，此一义。但我们教小孩折叠的纸船一展开就成一纸平面，此第二义。后一义的展开真正适于寓言。将寓言展开抚平，把意义攥在手心，这是读者的快乐。
但是，卡夫卡做的，却是不显而易见的、暧昧不明却幽深得让人自失的第一义。李泉声声掩抑制的弹唱中，我仿佛也看到了这样一朵绽开的蓓蕾。那不是明明白白写在歌词里、表现在哪个微妙的咬字上的东西；也不是哪个意想不到的和弦让人眼睛一亮的层面——李泉只是把浪漫和哀愁演绎到了极致，而这种浪漫和哀愁卷起的那一阵风，藉着它，每个人生命的那本书被轻轻翻开，一页页展开。爱的箴言的歌词旋律本身无疑是美的，作为一首经过时光沥炼的老歌也无疑是充满情怀的，但这种美，这种情怀，此刻已经完全如抹茶般消解、弥散于演播室的空气中，弥散于每个人自己的打捞和翻晒、寻回与感慨里。
于是，这首《爱的箴言》终于超越了“歌曲的性别”。
这就是纯粹音乐的魔力。
我是歌手舞台上，有李健式的，充满人文情趣的彩蛋插入。也有胡彦斌式的，在音乐逻辑上让人抚掌大笑的珠联璧合。但相比胡彦斌更刻意、更刺激的大刀阔斧、层层堆叠，李泉的音乐逻辑显然更婉约，更本质，更自然而然，也因此更有音乐自己的诗意。


如果说期望的话，李泉两首都是钢琴的、慢板的、即兴/半即兴的。
若只如此，再好的发挥也只会boring；若只如此，泉哥也不可能成为中国流行爵士独树一帜的人物。李泉能在爵士这门本身庞大到漫无边际的曲风里，给我们挖出多少惊喜，翻出多少的变化，拭目以待。

《Flash Light + Earth Song》Jessie J

Earth Song的选曲曾让我比较失望，但她的发挥是出乎我意料的：因为这期结实姐是真的用了点心。
倒不在于高音和转音、跪地的全情投入，而在于她这次确实在搭配和编排上用了心思，把这首晚会安全牌歌曲唱出了不同的感觉。
许多人诟病一开头夹带私货乱入的Flashlight，我觉得，这种安排其实瑕不掩瑜。
从串联上来说，Flashlight和EarthSong也不是完全搭不起来：
Flashlight描绘的是个人面对未知未来的不安，放到Earth Song的宏大主题下，也可以扩展解读为人类面临的种种问题，每个人在现代社会中的孤立无援和信仰危机，以及在彼此的微笑和关怀中如何得到救赎。这和Earth Song中一句句单刀直入、直奔主题的质问成为相映成趣一暗一明的两条线索：于是这首原本个人化的歌曲，里面的I和You便不再是情爱中的个人，抑或是个人精神世界的宗教体验，而转化为大我和大我的对话。你看结实姐在唱到I look around me and see sweet life时虔诚的合掌鞠躬，微笑着把感恩的情绪传递出来，便可以看出她的想法：在场和不在场的所有人，都是一切问题的答案。所有人的迷惘和绝境，只能是所有人一起面对，都必须通过所有人的携手、所有人的关怀和爱中去寻找出路。这和Earth Song无疑是相通的，也是遥遥的为那无数个what about us作出自己找到的解答。
而且在整体感情基调上，Flashlight到Earth Song确实是一个由弱变强不断走向高潮的过程，也并无冲突。
因此，这样的安排，其人文线索、情感线索上确实都有独特的匠心。
但是!
这两首歌旋律真的完全不搭啊！特别是Earth Song那标志性的前奏响起时，尤其是厚重的铜管乐撑起那厚重的主题时，和前面深情款款的Flashlight顿时形成了很大的割裂感，本来和弦简单的大调歌曲突然切到小调，转换也显得突兀，因而这个听感的中断，反而有点挤压了Earth Song的空间的感觉，以至于当结实姐给力的完成互动的部分，非常干脆有力的停止在What about us时，固然如同背上狠狠的一道鞭笞，让人忍不住拍案起立，还是感觉进行的太仓促了，还缺少一段更淋漓尽致的展开和即兴，才能把这歌的情绪完全释放出来（虽然还有所谓的彩蛋）。
但是但是！
这才是我想要看到结实姐的精气神啊～唱Earth Song显然也没有调动她全部的机能（不过唱到E5而已），但我绝对相信她已然是全部的投入了情感。那种怒音中喷发出的情绪，那种为了艺术效果倾尽所有的渴望和冲动，那种音乐灵气的闪光，都是我第一次我在这个节目看到的，所产生的力量，也不是音高能计算的。这才是她作为国际巨星（而不只是机能**的路人歌手），真正耀眼的东西。
这样的Jessie J，才让人想不断看下去。

《Besame Mucho + Despactio》 张韶涵

状态这么差，声音一直在破碎边缘，全靠伴唱和伴舞撑起场面了，让人心疼啊，名次这么高也算安慰奖了。
除去声音外，其实肢体表现力和煽动力也没有达到我的预期。
另外想说多说一句的是，弗拉明戈舞的时候，她稍显僵硬的拍手，俏皮有余，热情性感远远不到这样的曲风所要求的程度。但是这，让我分外想念起去年那个穿着男装、纵情拍手、每个音都给力的钉在节拍上、唱着《赛里木湖的月光》的谭老师来。
唉，有什么好比的，下一首。

《我》
张天终于唱中文歌了。
还不如不唱啊，阿弥陀佛。
其实当初听说她要唱《我》，心里就嘀咕，且不说这首歌在人们心中不可动摇的地位、以及无需再多解读和礼赞的精神内涵——你在华晨宇跟前唱《我》，不是班门弄斧么？结果当她一开场，我放心了一半：她把这首歌改成了她擅长的爵士曲风，避实就虚，以她声线的质感，往小里唱，往私人化里唱，或许会另辟蹊径，有挺好的效果。
可是我还是图样拿衣服，放心得太早了啊。

副歌，居然，居然，就这么欢乐起来了还是管乐、电吉他、架子鼓这么无脑的搞气氛配置有点爵士，居然还有点放克这歌是《我》诶大妹子，中文歌词，你滴，懂？坚强的泡沫！不是坚强的石头可以抬头微笑看着天！孤独的沙漠！不是热情的沙漠可以淌你的小爱河
且慢且慢，事情还是有转机的，百老汇的欢乐背后，也能带着一丝黑色幽默和繁华背后的凄怆；李宗盛每每在爵士乐的伴奏下信手拈来的喃喃自语更是牵动人心。张天挺住，张天加油




好个张天，说时迟那时快，只见她，轻舒猿臂，款扭狼腰，面露微笑傻白甜，脚踩台步彭擦擦，劈手将立麦上的话筒擒在手中，仰天大喝：“我乃港人张天也……”，登时惊的那端坐椅上、总是面带蜜汁微笑的山河老师肝蛋碎裂，面如死灰。

我不知道为什么她的语感可以差到这种程度。
当然，非母语总是有隔阂的。比如往届郑淳元、茜拉、迪玛希在唱中文歌时，就每每在咬字上或是某些字的处理方式上让人出戏，但是他们以对大线条感情的出色掌握，还是能够把情感传递出来七八成。
但是这位港人张天，简直就是大力出奇迹啊：
每个字的味道都不对
每个字的力量都不对
每个字都完全没有存在感
每个字又都在折磨人的耳朵
这是没有走音的车祸
这是没有脏字的羞辱
偏偏她又情绪极佳，处在“不一样的烟火”的陶醉状态，和在酒吧喝得烂醉引吭高歌的阿姨大叔简直没有什么两样。

上一场的乐评，我希望看见她能好好的用音乐解答“我是谁”。
于是她仿佛听到一样地唱了一首《我》，证明了她谁也不是
好走不送了您呐。

《她》苏诗丁
王思远这首《她》，是《中国好歌曲》出现的芭拉大歌里少有的我非常喜爱的。因为实在是很有音乐的趣味，主副歌在不同调上的同样旋律，做得如此起伏翻腾、连绵不绝，如同情不知何处而起，而思又一波一浪，连绵不绝，不知如何将息。
其实苏诗丁开口还是美的，那一身叹息似的“她”，似有说不尽的万语千言。
但很快她的问题便一个又一个的暴露出来。紧接着的一句，就觉得她的技巧似乎用得有些多余。
然后就是更明显的不快：换声点上下，她的音色差别太大了。
事实上，这首歌里，她采用了非常音乐剧的方法，要不她就用弱混或者平衡混声小心的修饰着自己声音，要么就努力的关闭，发功般的高音调动共鸣，增加声压。以至于，一方面，我们居然找不到她真实的声音在哪里；另一方面，高音部和中低音部形成了巨大的脱节断裂，更让持续了前两场她唱歌缺乏整体性的印象。
或许，是为了致敬在场的她的声乐老师；又或许声音条件或者是目前的状态迫使她一定要如此的使用各种方法演唱。苏诗丁是聪明的，选择了这样一首大收大放的歌，主歌副歌直接跳离6度整整9个key，加上精分式的钢琴主歌和摇滚副歌的强烈对比，既有了强弱鲜明的戏剧冲突，又分别呈现了低音浅唱和高音爆发。

问题是，虽然拉开了距离，唱到换声点还是不可避免的事情，在高潮段，几次A4附近的强音，“再次”的“再”，“感受”的“感”，都听出了明显的发音变形。这就是解决不好声区断裂硬唱的后果。
况且，毕竟音乐剧有剧情的上下文带人入戏，而流行演唱更强调的是直抒胸臆，过分讲求发声的高音唱法听着既不真实又显得老派。
综上所述，苏诗丁充满爆发力的表演虽然有可圈可点之处，最终还是让这首本该充满真挚感情的歌曲流于炫技的层次，也充分暴露了她的缺陷。

《齐天》华晨宇

齐天这首歌本身我是不感冒的，但华晨宇是这首歌的灵魂。

其实我是《悟空传》的骨灰粉，中学时读悟空传，把自己关在房间里，不知流了多少眼泪，止都止不住。那些犀利的质问和思索，像霹雳一样刺进我的胸膛，如此疼痛而有实在感。
也因此，我并没有去看炒情怀的《悟空传》电影版。我只需要我自己的那个悟空，那个住在我内心十多年，陪我欢笑、陪我垂泪、陪我咬牙、陪我被磨砺的那个悟空。
更因此，对于这首《齐天》，我就更加挑剔：就歌曲写作来说，它实在很一般。
首先在歌词上：不管是说唱，还是摇滚，都要求歌词简洁、通俗、有力，能直接的表达情绪，让人一耳朵听懂：而不是对着歌词本做半天阅读理解，或是像民谣古风之类的慢歌可以给人咂摸的空间。从这个意义上来说，堆积了三位作词人、想要写进太多情绪、太多内容和深度的歌词全然是失败的，也是不利于现场表达的。
其次是歌曲结构上，虽然是很普遍的唱说结合，ababc的构成，但说的部分和唱的部分衔接非常突兀，飘渺迷茫的旋律、和突然爆裂的说唱完全泾渭分明，完全靠干拔的高音连接，交替重复时给人一种干燥生硬的感觉。
因而，同样是表达《悟空传》式的悟空形象，光论歌词、论旋律，我都是更喜欢戴荃的《悟空》的。但是论歌曲整体的效果，就不同了，这首《齐天》是了不起的。它的旋律性或许并不如《悟空》酣畅流转，但是它却有更强的艺术冲击力。因为演唱它的人是华晨宇。

悟空传里标志性的这几句：“我要这天,再遮不住我眼。要这地,再埋不了我心。要这众生,都明白我意。要那诸佛,都烟消云散。”并不是一种“待到秋来九月八”式的要取而代之的反叛，也不是被刺痛时出于原始本能的挣扎撕咬，而是作为一个永远自由的灵魂，守着自己的立锥之地，一种纯粹的、存在主义的“不”的呐喊。而这样的灵魂，内部也一定同样在撕扯着、焦虑着、血肉模糊着。这才是这只似乎很可怕，又似乎很温柔的猴子的真面目。
《齐天》歌里唱和说生硬的对立，恰恰是悟空这种性格特质的生动塑造： 往内走，是内心的孤独；往外走，是和世界的冲突。这种冲突，在华晨宇身上，又得到了完美的统一。
华晨宇玩摇滚出身，受着许多欧美乐队的影响，性格内向的他，有一种Weirdo的气质，他安静的躲在角落，带着另类的邪魅，享受自己的世界、自己的不同，仿佛不会和人起任何争端。但是，要是世界的庸俗和刻板侵扰了他小小的空间，他体内的恶魔便会绿巨人一般的浮现，至少，爆发在他的音乐里。
因此，当华晨宇标志性的高音（很强的B4头声）和极燃的说唱响彻舞台，大家不仅仅是在感官上受尽了煽动和刺激，更仿佛见到了那个要让诸佛都灰飞烟灭最后却成了斗战胜佛的猴子，狂躁，不安，脆弱，愤怒，分裂。
于是，华晨宇的气质和表现力，让这首歌升华到了人歌合一的境界，超越了繁琐拗口的歌词，绕梁轰鸣，余响不绝。
其实，期待花花来歌手也有两三年了，这两三年中，我看到了他音乐上的成长、探索、不断的惊喜；而在天籁之战上开始陷入程式化的改编，又让朋友们多少都有点捉急，华晨宇什么时候能沉淀下来，继续认认真真的循着自己的创作之路走下去呢？
但愿这次歌手之旅，在这个流行音乐圈最高舞台的洗练中，花花能够超越比赛，找到重新出发的冲动和乐趣。

《安静》
李圣杰的唱功还是有的，但也是和这个舞台的水准有距离的。
我之前就说，他根本不是苦情嗓，反而声线里有一种绵软和温暖。但《痴心绝对》的大火，不知是帮了他还是害了他，让人留下了苦情的刻板印象，他也在不断的发掘他演唱里煽情的能力。
事实上，如上期我说，他一方面缺少职业歌手的舞台综合表达能力；一方面，他确实更应该摆脱pub歌手的框框、什么歌都唱，而从个人特质、人文情怀上进一步的沉淀深挖。

本期心中前三
Jessie J，李泉，华晨宇

我想说，结石姐的吃瓜表情好精髓。。。

关于李泉第一期的造型 知乎上看到这样一个说法

斯特莱德:
小丑式皮衣，口哨做引子，神态乖张，不限唱法。这个版本分明玩的是高级的荒诞喜剧。

进一步：开头是一小段皮尔金特的安妮特拉之舞，紫色皮衣加背头是蝙蝠侠小丑的标志性装束，还有他不断颤抖的手指，瞪眼，微笑...整个表演的隐藏格调广泛而统一。

神经质、哥特气质、良好的戏剧品味，说明他扮演的不是希斯莱杰的小丑，而是尼克尔森的小丑。（想想电影里小丑求爱那一段——"我要我们在一起"）

这首歌本来就有这样的气质，回到创作者手里，终于展现出真正的样子。

过瘾。

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我的看法，回过头去看，确实有恍然大悟的感觉，许多情境一拍即合。但我想，这样暧昧隐喻的造型，更多应该还是一种潜意识的意向，而非直指，否则实在过度含蓄，不像是一个表演设计。。。

李泉要唱眼色。。。如果我要我们在一起他唱了一千遍，那眼色他也唱了八百遍吧。。。李泉之前发的live专辑里也有一个版本，我还挺喜欢。。。