【电影】从有声片开始,有关好莱坞歌舞片史

【电影】从有声片开始,有关好莱坞歌舞片史




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 14:28:00 +0800 CST  
歌舞片不仅仅是一种电影类型,更是一种文化,是一门独特的叙事艺术,还是一个极其重要「展览明星」、「兜售歌曲」的管道。只谈好莱坞,是担心话题一但扯远,除了红极一时的黄梅调电影、歌仔戏电影,以及印度、马来西亚、泰国等地的歌舞电影传统,我们还必须囊括各种不同语系、不同文化圈、不同历史背景脉络底下的种种。 –Edwin W. Chen

楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 14:31:00 +0800 CST  
「歌舞片」看似一张标签,事实上是一道光谱。从最明确、最具体、最「一眼望去绝对是」的那几部开始扩张、过渡,来到一般电影中运用歌唱、舞蹈来点缀场面的作品,再来到一般观众、一般论者「想都没想过它们居然是」的黄梅调、歌舞戏、传统戏曲和古典歌剧;这道光谱涵盖的范围就是所谓「运用歌唱、运用舞蹈、运用音乐,从而推展叙事、深掘角色内在、陈述观点,或甚至评论剧中人的戏剧动作等」,这样子的叙事作品,摆在舞台上,我们叫它「musical theatre」(普遍能接受的翻译是『音乐剧』和『歌舞剧』),拍成电影,我们叫它「musical film」,称之为「音乐片」或「歌舞片」应该都可以。当然,如果要叫其中某一类的作品「黄梅调」、「歌仔戏」、「歌舞伎」等等,也无可厚非。此处谈的仅是大概念,大分类,大精神;无论是 在哪里,作品好、观众喜爱最重要。
从这张巨大的光谱聚焦到「好莱坞」,就形成了「类型」,且与好莱坞早期的工厂式生产方法有绝对的因果关系;然而歌舞片「这种类型」最特别的地方乃在于它的「分类标准」。「西部片」是因为它的内容被定义,「喜剧片」是因为它的情绪被定义,但「歌舞片」却是因为它的表现形式、表达手法而被定义。换言之,任何内容、任何情绪,只要透过「歌舞」的表现方式呈现在电影裡,「理论上来说」都「应该可以」被认定为歌舞片。历来有不少论者在进行歌舞片评析及研究时,把类型公式和作品内容当成切入点,结果迷失在情节分析和性别论述当中,没谈到歌也没论到舞,让人深感遗憾。

絮絮叨叨了如此之多,笔者想表达的是以下两点:第一,讨论「歌舞片」可以很聚焦、很专注,但它的鑑赏观念是一个延伸、开展的思路。第二,「歌舞」是叙事的形式,我们不是在「听歌」舞片,而是在「看」歌舞「片」。


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 14:35:00 +0800 CST  
有声电影发展之初

约莫在 1926、1927 年之间,「音画同步」的电影开始在好莱坞发酵,但在此之前的「默片时期」,电影也并非静默,而是搭配现场乐队或现场管风琴的演奏。在有声电影骤然窜起后,短短 2 年之内,好莱坞全面採用有声,而「歌舞片」自然成为最容易炫耀「声音」的重要类型。动听的旋律、歌曲、震天价响的踢踏舞步,都是早期有声片最吸引人的特色,电影公司礼聘综艺秀场明星,先后拍摄了数以千计的短片,也彻底改写表演艺术界跑码头巡迴演出的产业结构,戏院经理不再需要请多位明星现场演出,他们甚至可以用现成的短片穿插搭配,构组成一整个晚上的娱乐杂锦大秀。
默片时期其实就有歌舞片。虽然不是真正的「歌」,但音乐的流转(由现场乐队或管风琴配奏)、舞蹈场面的呈现,仍然使 1925 年的《风流寡妇》(The Merry Widow)、1927 年的《学生王子》(The Student Prince in Old Heidelberg)闪耀著荧荧光彩。1927 年底《爵士歌王》(The Jazz Singer)不只「音画同步」,影片中的明星甚至唱歌、讲话!霎时间观众趋之若鹜,好莱坞也为之震惊。需要操作声音、执行声音、展览声音,当然要有懂得声音特性的人才!此际的好莱坞,便大量自广播界和剧场界引入专才,于是广播界的配音能手、剧场界的作曲家、编曲家、指挥家、编舞家等等,纷纷西进淘金,一时间风云际会,也成就了好莱坞歌舞片第一个光辉灿烂的黄金年代。
The Merry Widow



楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 14:42:00 +0800 CST  
导演刘别谦结合温柔缠绵的轻歌剧花腔女高音,并颂咏俚俗浅白的流行歌唱,由此发展出一系列雅俗对峙、调和且恩爱的精采作品,红遍全球。从 1929 年的《璇宫艳史》(The Love Parade)开始,1930 年的《赌城艳史》(Monte Carlo)、1931 年《驸马艳史》(The Smiling Lieutenant)、1932 年《红楼艳史》(One Hour With You)……在场面、在表演、在台词与歌词、音乐与镜头语言和走位调度,多方面的整合、对比、映衬……使这一系列的「艳史」,成为歌舞片发展历程中极为重要的叙事典范。作为刘别谦第一部有声片,《璇宫艳史》在第二届奥斯卡金像奖评选期间获6项提名:最佳影片、最佳导演、最佳男演员、最佳摄影、最佳设计和最佳录音。
The Love Parade


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 14:51:00 +0800 CST  
与刘别谦「艳史」系列风格相近,但在音画设计、叙事技巧上更具实验精神的则是鲁本马莫连导演的《公主艳史》(Love Me Tonight)。旧译「麦墨连」的鲁本马莫连出身百老汇剧场,话剧音乐剧全能。话剧作品《乞丐波吉》(Porgy)技惊九城,后来改编成「国民歌剧」《乞丐与**》(Porgy and Bess)同样让人叹为观止。在《公主艳史》里,他和同样来自百老汇的青年才俊理察罗杰斯(Richard Rodgers)、劳伦兹哈特(Lorenz Hart)等通力合作,电影开头呈现清晨的巴黎,社区里此起彼落的环境声音——扫落叶的声音、掸地毯的声音、拉铁门、敲钉子、做家事,各种各样的声音,交响成特有的节奏,持续不断,把花都由沉睡中唤醒,也唤醒男主角(一个裁缝师),准备出门上班。
接下来还有一段经典,曲名是〈Isn’t It Romantic?〉,裁缝师先为顾客换上新制作的衣装,唱出这首〈Isn’t It Romantic?〉夸奖顾客的美姿俊容,顾客满心欢喜,借由这段旋律与裁缝师对话,两人互动的过程虽用歌曲表现,却不是诗化的歌词,而是生活化的「请帮我把拐杖拿来」、「请、谢谢」、「再见」等日常用语,这些日常用语和哼都答啦的状声词,套进既有的旋律和节奏,推动著顾客唯一补捉到的讯息「Isn’t It Romantic?」往前续行。他走出店门,嘴里轻哼,并和计程车司机打招呼,旋律被司机接走,一名旅客上了他的车,司机开始哼歌、按著喇叭、吹起口哨,旋律继续,唯一的那句「Isn’t It Romantic?」仍然传唱不歇。旅客闻乐大喜,原来他是个作曲家!他忙不迭地以「采风」的心情,把曲谱抄录下来,哼都答啦在他口中全部成为正式记谱的音名。
作曲家坐上火车,在轻快的行进节奏中重理乐谱,对乐填词,他身后一群士兵随著他一起学会整首歌,又把这首歌带回军中,变成行军时雄纠纠气昂昂的军乐合唱。原野上的吉普赛浪人听到了这首曲子,一路奔回夜色中的营火,大家聚在一起,他拉起幽怨的小提琴,〈Isn’t It Romantic?〉至此成为无词无字、如泣如诉的衷肠倾诉,弦声悠扬,直通天际。密林深处,皇家行宫,千金之躯的大公主彻夜无眠,被乐声惊动,行至露台,在夜色中,藉乐咏叹,Isn’t it romantic? 但我的王子何时能来?

由裁缝师到公主,整整 6 分钟的段落,音画组合、乐剧交融,其创意之清锐、结构之精妙,至今依旧让人叹为观止!而,我们的电影才刚刚开始呢。后面还要演裁缝师和公主的绝妙姻缘,两人一对活生生欢喜冤家;整部电影单凭一个开场节奏画面,加上一段〈Isn’t It Romantic?〉,就足已影史留名。
Love Me Tonight


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:00:00 +0800 CST  
好莱坞歌舞电影的黄金岁月
1927 到 1932 年这几年之间,好莱坞疯狂地拍摄歌舞片,长的、短的、热闹的、优雅的,各种实验,各种尝试……拍到观众都怕了,怕得大家看到「All Talking! All Singing! All Dancing!」的宣传词就倒足胃口。歌舞片狂潮却未就此平息。它虽然不致于「愈演愈烈」,但至少逐渐稳定下。在一般电影史书上所谓的「好莱坞片厂黄金时期」,以有声年代的部份计算之,大概就是 1930 年代初期到 1940 年代初期,然后再加上战期、战后,一路到 1950 年代初期,差不多 20 年左右的时间,也刚好是好莱坞歌舞片稳定发展、稳定成长的阶段。它的「类型特色」、每家公司的「品牌形象」,都非常清楚。所有该实验的、该突破的,原则上都在有声时代最开始三到五年,一切抵定,接下来的持续发展,优点是一切在稳定中求进步,缺点则是成熟过头之后日渐僵化。
All Talking !All Singing !All Dancing!


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:08:00 +0800 CST  
环球在 1929 年推出「部份有声」的《画舫缘》,与美国现代音乐剧剧作《画舫璇宫》(Show Boat)取材自同一本小说,拍摄期间环球公司便与《画舫》的百老汇纸片人人,歌舞大王齐格飞先生通力合作,在正片之前加码拍摄一段 20 多分钟的序幕,由齐格飞本尊现身说法,并邀请百老汇的原版明星在摄影机及录音机前现场表演,一人一首歌,留下旷古绝今的近代文明史纪录。1936 年环球又重拍《画舫》,中译片名叫《演出船》,卡司超强,还请到原作曲者撰写新歌,原编剧则为这个电影版本亲自改编,声势不只惊人,艺术成就也极高。




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:14:00 +0800 CST  
至于其他片厂,像派拉蒙在刘别谦的「艳史」轻歌剧电影之外,尚有低音歌王平克劳斯贝与喜剧全才鲍伯霍伯,两人共同合作的「Road to…」系列电影,双人搭档加上女星多萝西拉玛,每一集都有个独特的地点,「Road to Singapore」、「Road to Morocco」、「Road to Zanzibar」,甚至还有一集叫「Road to Utopia」。




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:20:00 +0800 CST  
哥伦比亚在 1930 年代一直苦于没有清晰的歌舞片发展特色,关键问题乃在欠缺票房明星。1940 年,丽泰海华丝跃上银幕,很快就成为新一代的性感偶像。她与全盛时期的舞王弗雷德阿斯泰尔,以及初来乍到的吉恩凯利,先后都有合作,虽非真正歌舞科班出身,但她的性感歌声(很多时候得利于优秀的幕后代唱,以及她的卓越演技,两相加总)、曼妙舞姿(篇幅所限,没办法畅聊好莱坞最厉害的电影编舞杰克寇尔,是为一憾),仍旧是让人永远怀念的一代歌舞片巨星。


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:25:00 +0800 CST  
数完四家规模较小的片厂,另外四家的歌舞类型与之相比,标志更为清晰:
华纳一向被誉为「社会写实」片厂,最擅警匪交锋与探讨各种社会现象的题材,就连拍歌舞片也不例外。编舞家巴士比伯克利运用电影的魔幻特性,在诸多硬性题材(经济大萧条时期的歌舞女郎想尽办法挤身剧组,以求温饱)当中,以万花筒般的缤纷视觉效果,带领观众穿越镜头和舞台镜框的界限,进入到一个超越写实,但又 SUPER-realistic 的歌舞境界。无论是温馨软玉、美体横陈、艳影流丽的萤光小提琴,或者狂欢达旦,最后被热舞群众推挤摔落天台的床边恶梦摇篮曲,只要电影裡戏中戏的大幕一启,我们必然将会被传送至一个无动不舞、无声不歌的情满乾坤。

福斯和米高梅在歌舞片的天地裡,各有其擅长的领域及主打的明星,其中又以米高梅为最。米高梅的歌舞片数量特多,色彩特别艳丽,音乐及整体听觉效果虽非最佳,却有著最为「一致」的标准特色,这中间特别感谢无名英雄罗杰伊登、凯汤普森,及由作词家转任电影製作的亚瑟弗雷德(Arthur Freed),他所率领的小组,在米高梅工厂生产线裡,是歌舞类型电影非常重要的一个製作班底,所打造的作品几乎部部经典,令人难以忽视它们的地位与存在。
Judy Garland《For Me and My Gal》




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:33:00 +0800 CST  
二十世纪福克斯的歌舞片论者甚少,原来以往能重新见到的不算太多。拜现代科技所赐,爱丽斯费、唐亚米切尔、卡门米兰达的歌声舞影、精湛演技,终于重现于世。除此之外,玛莉莲梦露也在 1950 年代初期迅速窜红,迷倒众生,看她身著亮粉红色的裙摆配上白手套,飞舞著物质女郎对金钱和钻宝的热爱,以及来到 1950 年代中期的「阔银幕电影年代」,看她斜躺在钢琴上,低吟「看流水悠悠,看大江东去不回头」……一举手、一投足,百媚千娇,风华绝代。





楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:39:00 +0800 CST  
所谓的「好莱坞片厂黄金年代」,整个 1930 年代的歌舞片最光辉、最灿烂、最精緻夺目的代表。Art Deco 年代最极致的歌舞呈现,无疑就是雷电华公司的弗雷德阿斯泰尔(Fred Astaire)、琴裘罗杰斯(Ginger Rogers)的组合。当年阿斯泰尔与姐姐阿德蕾在综艺秀场搭档跑码头,红遍大洋两岸,姐姐结婚退隐,阿斯泰尔由百老汇西进好莱坞,在试镜时被电影公司高层嫌笑,说他「 Can’t act. Can’t sing. Slightly bald. Can dance a little. 」




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 15:57:00 +0800 CST  
好莱坞歌舞片史上最无懈可击的黄金搭档──佛雷亚斯坦和琴姐罗杰斯

然而在一次客串露面之后,阿斯泰尔来到雷电华公司,与同样出身百老汇(但主要栖身于歌队、舞群,小红之后有一些喜剧演出)的罗杰斯搭档,在 1933 年公映的《锦绣天》里的合作演出不知道是女二男二还是女三男三,不料一支「 Carioca 」热舞,两人额头顶额头,跳出了一片疯狂灿烂的锦绣天地。
雷电华这下挖到钻石矿,立刻为两人开新戏,于是自 1934 年起,到他们约满分飞,阿斯泰尔与罗杰斯共同主演了 9 部作品,第一部《柳暗花明》片尾高潮模仿「 Carioca 」,以「 The Continental 」舞步技惊全球,一举拿下首次颁发的奥斯卡最佳电影歌曲奖。

1935 年的《雨打鸳鸯》是名片中的名片,一般教科书都从简直译为「高礼帽」,但上海时期的电影观众,总会挖空心思以最美、最合适的译名配衬在他们由衷热爱的歌舞片上,于是片中一首因为避雨公园,不吵不相识、不识不共舞,最终一舞定情的〈 Isn’t It a Lovely Day to Be Caught in the Rain 〉就成了中文片名《雨打鸳鸯》。影片压轴「 The Piccolino 」舞,场面比之前的「 Carioca 」、「 Continental 」来得又更豪华、更气派,但真正让人回味无穷的,却依旧是歌词第一句「 Heaven! I’m in heaven! 」就掳获人心的〈贴面舞〉(Cheek to Cheek)。




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:04:00 +0800 CST  
9 部阿斯泰尔、罗杰斯合作主演的歌舞名片,虽非部部叫好叫座,却是一整个 Art Deco 时代的最佳缩影。最优秀的作曲家—–欧文柏林(Irving Berlin)、柯尔波特(Cole Porter)、盖西文兄弟(George & Ira Gershwin),再加上有美国戏剧音乐之父美誉的杰洛姆柯恩(Jerome Kern),他们创作生涯中极具代表性的一页,永远被保存在这些影片裡,这些影片的美术设计、服装造型,每一分每一寸都是 Art Deco 的金光艳影;这些影片肤浅的故事和早已不合时宜的笑料,也扎扎实实为整个 1930 年代的好莱坞歌舞片留下鲜明的历史注脚。再加上这些影片重歌重舞却轻电影配乐的特色,也是近年从事歌舞片研究的学者陆续注意到的分析重点。



楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:12:00 +0800 CST  
阿斯泰尔和罗杰斯的搭档过程中,穿出不少不合的传闻;赞美者纷纷献言说他们的配对「男的给了女的格调、女的给了男的性感」,但罗杰斯自己也曾经怒火中烧,气得飙骂说:阿斯泰尔会跳的老娘都会跳,而且倒著走(女步很多时候是倒著跳),还要穿高跟鞋!但争执之外,他们的合作仍旧是歌舞文明史上无懈可击的一枚印记,1949 年,在分飞整整十年后,两人再度于米高梅片厂团聚,合演了《The Barkleys of Broadway》,这也是他们唯一一次合演的彩色歌舞片。



楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:17:00 +0800 CST  
阿斯泰尔&罗杰斯的合作作品中,最巅峰的巅峰当属 1936 年公映的《 Swing Time 》,中文片名叫《摇摆乐时代》。片中不但有阿斯泰尔让人瞠目结舌的影子独舞,有奥斯卡获奖金曲〈你今晚的模样〉( The Way You Look Tonight ),还有影史双人舞绝佳的绝佳—–这支题为〈 Never Gonna Dance 〉的段落,演到两人即将分手,阿斯泰尔唱出歌曲,曾经沧海难为水,与你共舞之后,此生再也找不到更好的舞伴了...
琴裘欲走还留,她绕回舞池,接下来整段 2 分 15 秒的长镜头,两人就著〈 The Way You Look Tonight 〉的旋律缠绵共舞,情感上希望留下,但理智上不得不分;层层非恻,分分留恋,一举手,一投足,尽是饱满的感情,舞衫迴旋之间,琴裘的性感和弗雷德的格调,揉成一体,由慢舞转为节奏感强烈的 swing,然后爆发成为无尽的旋转,两人分别由长梯旋转至二楼的平台,再合体续舞,镜头在两人飞旋之际切至近景,再拉开带到曲终人散的一刻。这段舞蹈,前后拍了48次,途中休息时琴裘还曾卸下舞鞋,把鞋裡的血渍、脚上的伤口打理好,穿上舞鞋继续跳,48 个 takes,成就了这段观众心目中的不朽经典。




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:24:00 +0800 CST  
1940 年代:音乐剧成为一门独步艺术

1940 年代因为二战结束一分为二,前期有大量的劳军歌舞片,后期则有更大量的欢天喜地、歌舞升平。迈入 1950 年代,来势汹汹的电视媒体,已经严重威胁向来以娱乐产业老大哥自居的电影工业,为和「黑白小荧幕」对抗,电影业开始迈入彩色、立体、大银幕、立体声的新纪元。「歌舞」再一次成为「展览」电影气势与进步科技的最佳管道之一,尤其,此际我们就要把话题拉回纽约百老汇了—– 1929 年底股市崩盘,随之引发全球性的恐慌,在原爆点纽约,以舞台表演为主要核心之一的娱乐产业亦随之全面重组。
有声电影来临、经济大萧条,在在扼杀了跑码头式的综艺巡演,大量的词曲创作者、编剧、导演、演员、歌者、舞者、指挥、乐师、编舞等等,乘此机会西进好莱坞,为(早期)的有声电影效力,他们有的后来长驻美国西岸,有的往来两地,有的则水土不服,合约满后就飘然归来。然而,越来越多的创作者注意到「电影」媒体和「舞台」在叙事手法上的相异之处,电影运用剪接、运用镜头景框、运用光影、运用画面和场景调度等等,能做到许多舞台上不容易办到的时空转换、戏剧特写等等,他们怀抱著一种实验、改良、增进的期许,在东返纽约之后继续耕耘。

在 1940 年代初期成功将「音乐剧」改良成一门独步古今、独步全球的叙事艺术。这个历史性的一刻,并非一部或两部戏的公演,就为之树立了所谓的「里程碑」,而是这部戏之后还有下部戏、再下部戏,这组创作搭档之外,同时还有那组、那组、又那组,这是一个同时开展、迎面而来的巨大潮流,因为某些启发和触动,又掀起另一层新的波澜,如此层层相连。
On The Town




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:38:00 +0800 CST  
1950-1960 年代:掀起改编百老汇经典剧作潮流

直到 1960 年代中后期,史称百老汇音乐剧的「古典时期」,也是最金光璀璨,名家名作接连不辍的黄金年代。这个时期累积下的诸多作品,有一大半被好莱坞相中,购买版权改拍成电影。1950 年代彩色、立体、阔银幕、立体声的岁月,成本节节高升,电影公司在精打细算之馀,也逐渐向今日所谓的「 IP 」靠拢,来确保投资得以回本。

各位读者其实不必担心「改编百老汇」对歌舞电影的原创性有什麽损害,说到底,各家片厂只是更加倾向引进拥有高知名度、高吸引力、高艺术价值的经典剧作,将之改编搬上银幕而已。唯一可惜的地方,则是由于电影所面对的观众,比起纽约天龙国的胃纳更为广大,许多大都会中产阶级、知识份子的 sophistication,没办法如实地搬上银幕,道德的限制、尺度的自我规范、普罗大众的疑虑等等,让好莱坞片厂在搬演百老汇经典之时,往往把原典的利齿和刀锋削去磨净。
改编自百老汇音乐剧的Gentlemen Prefer Blondes


楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:47:00 +0800 CST  
豪华巨片如《南太平洋》(South Pacific)、《天上人间》(Carousel)的威力已经如此惊人,电影观众很难想像它的舞台原典有更为磅礡、更为深刻;《窈窕淑女》(My Fair Lady)、《红男绿女》(Guys and Dolls)是多麽缤纷灿烂,电影观众也很难想像它的舞台原作讥刺力道有多深、讽世笑料有多教人捧腹。

舞台原典与电影改编相得益彰、两相辉映的杰作亦所在多有。3D 立体的《刁蛮公主》(Kiss Me Kate)在开头就以一支好莱坞踢踏舞女王安米勒(Ann Miller)的〈 Too Darn Hot 〉迷倒众生,只见她在双面镜前狂舞、飞旋,实在令人叹为观止(而且是 3D,要戴眼镜看的那种),影史首部 70mm 豪华弧型阔银幕歌舞片,《奥克拉荷马之恋》(Oklahoma!)不但保留舞台原典的设计概念与编舞,更以绝美的摄影、气象万千的录音技术,将百老汇最不朽的黄金搭档理察罗杰斯(Richard Rodgers)与奥斯卡汉玛斯坦二世(Oscar Hammerstein II)的伟大音乐,永远保存下来。




楼主 艺伎馆馆长  发布于 2018-09-12 16:57:00 +0800 CST  

楼主:艺伎馆馆长

字数:11250

发表时间:2018-09-12 22:28:00 +0800 CST

更新时间:2018-11-28 08:27:03 +0800 CST

评论数:116条评论

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